Notas de prensa - El primer blog de notas de prensa y comunicados de prensa

Llega "Divas de la canción" al Museo José Luis Cuevas

Mon, 31 Aug 2026 08:16:55 +0200

El Museo José Luis Cuevas presenta Divas de la canción, exposición de la artista mexicana Dalia Monroy, integrada por 32 obras inspiradas en catorce grandes intérpretes del siglo XX y concebida a partir del encuentro entre música y pintura.

Billie Holiday, Nina Simone, Ella Fitzgerald, Miriam Makeba, Édith Piaf y Aretha Franklin no solo dejaron canciones, sus trayectorias estuvieron atravesadas por la discriminación, la pérdida, la resistencia y una manera propia de ocupar el escenario. Junto con Sarah Vaughan, Cesária Évora, Ma Rainey, Omara Portuondo, Etta James, Dinah Washington, Big Mama Thornton y Bessie Smith, conforman el universo de Divas de la canción.

La muestra reúne voces de Estados Unidos, Sudáfrica, Cabo Verde, Cuba y Francia y transita por el jazz, el blues, el soul, la morna caboverdiana, la canción francesa y expresiones de la música cubana.

Monroy pinta después de escuchar. La música y las historias de cada intérprete funcionan como detonantes de un proceso creativo en el que el ritmo puede convertirse en trazo, la intensidad de una voz en color y la emoción en movimiento.

La artista denomina Musicorum Pictura a esta búsqueda y al diálogo que establece entre sonido e imagen. Ritmo, color, composición y movimiento funcionan como puntos de encuentro entre ambos lenguajes.

En la exposición, los visitantes pueden además escuchar mediante códigos QR las voces que inspiraron las piezas mientras contemplan las pinturas. La experiencia propone así una relación simultánea entre escucha y mirada.

Pero Divas de la canción no termina en el lienzo. Durante la inauguración, el body painting, la danza y el movimiento llevan el color al cuerpo y amplían el diálogo entre música, pintura y espacio.

Monroy integra en esta muestra las letras de críticos de arte y escritores como José Manuel Springer, Laurence Le Bouehellec, Rafael Pérez y Pérez, José Luis Zárate, Máximo Caminero y Beatriz Meyer.

La exposición se acerca a las historias de mujeres que, en contextos y momentos distintos, enfrentaron racismo, segregación, discriminación y otras formas de exclusión, mientras construían trayectorias que dejaron una huella en la cultura musical del siglo XX.

"Es importante que nuevas generaciones descubran quién fue Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin o Ma Rainey; que conozcan de dónde vienen muchas de las influencias que siguen presentes en la música actual y comprendan el enorme legado artístico y social que dejaron estas artistas", afirma Dalia Monroy.

Divas de la canción forma parte de un proyecto itinerante que comenzó su recorrido en el Museo de Arte Contemporáneo Querétaro. La exposición permanecerá abierta en el Museo José Luis Cuevas hasta el 25 de septiembre de 2026 y posteriormente continuará en el Museo Internacional del Barroco, en Puebla, y posteriormente en el Museo Casa Grande de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo.

Video sobre la exposición: https://daliamonroy.com/videos/.

El Mundial termina, pero su legado continúa en Tijuana con 'Tejiendo Redes'

Fri, 17 Jul 2026 08:33:15 +0200

Mientras el Mundial 2026 entra en su recta final, Tijuana comienza a construir el legado que quiere dejar una vez que concluya la competencia deportiva. Uno de los ejemplos más representativos es "Tejiendo Redes", de la reconocida artista mexicana Betsabeé Romero, una obra colectiva que transforma la portería de fútbol en un símbolo de identidad, pertenencia y comunidad.

Impulsado por Centro 32 y This is About Humanity, con el respaldo de Tijuana Innovadora, Tejiendo Redes reunió a personas migrantes y refugiadas de distintas nacionalidades para crear cuatro porterías escultóricas tejidas a mano, convirtiendo un elemento universal del fútbol en un espacio de expresión colectiva donde convergen historias de migración, resiliencia y esperanza.

La iniciativa cobra un significado especial en una ciudad como Tijuana, donde la migración no es un fenómeno pasajero, sino parte de su identidad. Personas provenientes de Haití, Honduras, Guatemala, Venezuela, El Salvador, México y otros países participaron en la elaboración de las piezas, aportando fragmentos de sus historias y convirtiendo cada tejido en un testimonio de pertenencia y reconstrucción comunitaria.

El proyecto dialoga con uno de los principales aprendizajes que deja el Mundial 2026: el fútbol es uno de los pocos lenguajes capaces de reunir a personas de diferentes culturas, idiomas y nacionalidades alrededor de un mismo espacio. En Tijuana, esa capacidad de conectar personas quedó reflejada durante el torneo, cuando la ciudad abrió sus puertas para recibir visitantes de todo el mundo y brindó apoyo a la Selección Nacional de Irán, reafirmando su vocación como una ciudad abierta, solidaria y acostumbrada a construir puentes entre culturas.

"Los grandes eventos deportivos dejan infraestructura, cifras y recuerdos, pero también pueden dejar comunidades más conectadas. Si dentro de algunos años estas porterías siguen siendo un punto de encuentro para quienes viven y llegan a Tijuana, entonces habrán cumplido su propósito", señaló José Galicot, fundador de Tijuana Innovadora.

La obra de Betsabeé Romero retoma esa visión al resignificar la portería como un espacio de encuentro. Inspirada tanto en el fútbol contemporáneo como en el juego de pelota prehispánico, la artista convierte las redes en un tejido construido colectivamente por personas migrantes, recordando que detrás de cada comunidad existe una historia compartida de movilidad, identidad y colaboración.

"A propósito de este mundial que combinó tres países y dos fronteras, es un homenaje al ‘jugador número 12’, a los hispanos, a los latinos y a nuestro país, donde se ha jugado con la pelota desde hace más de tres mil años", detalló la artista.

Como parte de esta iniciativa, las cuatro porterías fueron instaladas en espacios públicos emblemáticos de la ciudad: El Faro de Playas, avenida Revolución, el Centro Cultural Tijuana y el Parque Esperanto, donde la obra quedó integrada al pabellón José Galicot, construido en el marco de Tijuana-San Diego Capital Mundial del Diseño 2024. Más allá de una intervención temporal, estas piezas permanecerán como parte del beneficio urbano, cultural y social que el Mundial 2026 deja en Tijuana.

Para Tijuana Innovadora, movimiento ciudadano creado y fundado por José Galicot Behar que desde hace 16 años impulsa proyectos de innovación social, educativa, ambiental y cultural en la región fronteriza, los grandes eventos internacionales representan una oportunidad para construir beneficios que trascienden su duración y generen un impacto positivo en la comunidad. En ese sentido, el impacto no solo se mide por la infraestructura o el turismo, sino también por la capacidad de fortalecer la participación ciudadana, promover la inclusión y consolidar espacios donde las personas puedan encontrarse a través del arte, la cultura y el deporte.

Cuando el Mundial llegue a su fin, las selecciones regresarán a sus países y los estadios volverán a su rutina. Las porterías de "Tejiendo Redes", en cambio, permanecerán en distintos puntos de Tijuana como un recordatorio de que algunos de los legados más importantes no se construyen dentro de un estadio, sino en la capacidad de una ciudad para generar espacios de encuentro, diálogo y comunidad que perduren mucho después del silbatazo final.

Acerca de Tijuana Innovadora
Tijuana Innovadora es un movimiento creado y fundado por José Galicot Behar que impulsa el desarrollo de la región a través de distintas esferas y proyectos enfocados en educación, cultura, innovación, desarrollo económico y cohesión social. Mediante iniciativas como Casa de las Ideas, Tijuana Verde, Paseo de la Fama, Líderes, Innovamoda y la Sinfónica Juvenil de Tijuana, promueve el talento, la participación ciudadana y la construcción de una ciudad más próspera, sostenible y conectada con el mundo.

Para conocer más sobre Tijuana Innovadora: https://www.tijuanainnovadora.org/

Unilever lleva su impacto social al arte urbano en "Ruta de las Empresas"

Fri, 17 Apr 2026 08:00:40 +0200

A través de formas geométricas, color y símbolos, la artista Yazmín de la Rosa da vida a "Sociedad Positiva", una pieza que interpreta, desde el arte urbano, la relación de Unilever de México con millones de personas en su vida diaria.

La obra forma parte de "Ruta de las Empresas", una iniciativa impulsada por el Consejo de la Comunicación, que transforma el espacio público en un punto de encuentro entre arte y ciudadanía, acercando nuevas formas de entender el impacto que las compañías generan en su entorno.

En este contexto, la pieza retoma valores como la inclusión, pionerismo, respeto y la equidad, integrando elementos que remiten a lo cotidiano y a las marcas icónicas que han acompañado a generaciones de familias mexicanas desde hace más de 60 años.

"Nos entusiasma ser parte de la primera edición de Ruta de las Empresas porque abre una forma distinta de compartir quiénes somos y cómo acompañamos la vida diaria de millones de personas en México. Sociedad Positiva logra traducir, desde el arte y el espacio público, el trabajo que hay detrás de Unilever: talento, colaboración, innovación y un compromiso constante con generar un impacto positivo en las personas y en su entorno", dijo Mei Crespo, directora de Comunicación y Asuntos Corporativos de Unilever México y Foods LATAM.

Desde lo conceptual, "Sociedad Positiva" plantea una visión donde convergen colaboración, desarrollo y sustentabilidad. Su propuesta visual, influenciada por corrientes como el constructivismo y el suprematismo, se adapta a la forma esférica como un lienzo tridimensional que dialoga tanto a distancia como en la cercanía.

"Se trata de una compañía que busca crecer con responsabilidad, cuidando de las personas y del entorno. Sus marcas están presentes en la vida diaria, y desde ahí construyen cercanía, innovación y confianza", señaló Yazmín de la Rosa.

Esta propuesta reúne 17 esculturas que invitan al público a profundizar en cada historia a través de una experiencia interactiva. Después de presentarse en Ciudad de México, continuará su recorrido en Guadalajara y Monterrey, ampliando su alcance y llevando esta conversación a nuevos espacios.

La nueva iniciativa del Pensador Disruptivo. Del mecenazgo al valor compartido: ¿un nuevo pacto para el arte?

Tue, 24 Feb 2026 10:03:14 +0100

Durante siglos, el arte ha dependido de distintas formas de financiamiento que, con matices, han mantenido una lógica similar: quien posee recursos apoya a quien crea. El mecenazgo clásico permitió el surgimiento de obras y artistas fundamentales, pero también estableció una relación asimétrica en la que el mecenas decidía y el artista respondía.

Con la modernidad, ese esquema evolucionó hacia el patrocinio y la filantropía institucional. Empresas, fundaciones y gobiernos ampliaron la escala del apoyo cultural y profesionalizaron los procesos, aunque sin modificar completamente el modelo de fondo. En muchos casos, el artista continúa ocupando el rol de solicitante: presenta proyectos, compite por recursos y se adapta a criterios externos, mientras el arte sigue siendo percibido más como un gasto cultural que como una inversión estratégica.

Ante este panorama, surge una interrogante necesaria: ¿es posible imaginar otra forma de relación?

Cada vez adquiere mayor relevancia la propuesta de transitar hacia un modelo de valor compartido entre el arte y el sector privado. No se trataría de sustituir el mecenazgo ni de subordinar la creación artística a las dinámicas del mercado, sino de construir alianzas en las que ambas partes aporten y se beneficien. Bajo este enfoque, el artista no solo recibiría recursos, sino que participaría activamente en la generación de valor cultural, social y simbólico junto con sus colaboradores.

En la práctica, esto podría traducirse en nuevas modalidades de colaboración. Por ejemplo, residencias de artistas dentro de empresas e instituciones, donde la creatividad dialogue con desafíos reales de innovación y cultura organizacional. También podrían impulsarse proyectos de cocreación en los que el arte contribuya al diseño, la narrativa y la identidad de iniciativas empresariales con impacto social. Asimismo, podrían desarrollarse fondos mixtos que combinen inversión y apoyo cultural, o plataformas colaborativas que reinviertan parte de sus beneficios en nuevas producciones artísticas.

Bajo esta lógica, cada proyecto tendría un efecto multiplicador: los artistas podrían involucrar a otros creadores, activar comunidades y fortalecer redes culturales, generando un círculo virtuoso en lugar de un sistema fragmentado y competitivo.

Este enfoque invita a replantear la relación entre arte y empresa. Lejos de ser un terreno exclusivo de marcas y corporaciones, el sector privado podría convertirse en una herramienta para que los artistas desarrollen proyectos sostenibles, protejan su trabajo y se integren en cadenas de valor más amplias sin perder su autonomía creativa. De esta manera, arte y empresa dejarían de percibirse como ámbitos opuestos para consolidarse como aliados estratégicos.

Nada de lo anterior implica mercantilizar la creación artística. Más bien, supone reconocer que el arte puede ser simultáneamente crítico, simbólico y generador de valor; independiente y, al mismo tiempo, parte de un ecosistema más amplio.

El debate, entonces, quizá ya no radique en si el arte debe acercarse o no al sector privado, sino en cómo diseñar modelos de colaboración que permitan su desarrollo sin sacrificar su esencia. Si el futuro del arte en México y la región transita hacia estos esquemas híbridos, será necesario imaginar cómo construirlos de manera justa, transparente y sostenible.

Pregunta cultural de la semana
¿Qué ideas, mecanismos o modelos podrían contribuir a la construcción de este nuevo pacto entre artistas, financiadores y el ecosistema creativo, de modo que el arte y el sector privado se potencien mutuamente?

Se invita a la comunidad a participar, junto con el Pensador Disruptivo, compartiendo el artículo o sus reflexiones en redes sociales o medios propios.

Rendez-vous Gala: encuentro cultural de arte latinoamericano en el bicentenario Francia–México

Fri, 06 Feb 2026 08:02:31 +0100

En el marco del bicentenario de las relaciones diplomáticas entre Francia y México, diversas instituciones culturales y aliados estratégicos presentaron Rendez-vous Gala, un encuentro cultural especial y exclusivo que reunió arte, comunidad e impacto en Casa Seminario 12, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

Rendez-vous Gala nació para impulsar y dar visibilidad a talentos visuales emergentes de Latinoamérica, fortaleciendo el diálogo cultural internacional y el tejido comunitario a través del arte. El evento contó con la participación de tres destacados artistas: José Andrés Aguilar (México); Ali Álvarez (República Dominicana) y Verónica Riedel (Guatemala), cuyas obras se implementan con temas como identidad, memoria colectiva, tradición ancestral y ecología.

La velada ofreció una experiencia que incluyó exposición de obras, subasta, música en vivo, cocktail y catering, consolidándose como un punto de encuentro entre artistas, coleccionistas, gestores culturales, líderes de opinión y representantes del sector creativo y cultural.

Artistas participantes
Verónica Riedel (Guatemala)
Artista multidisciplinaria de trayectoria internacional, su trabajo integra biomateriales, inteligencia artificial y cosmovisión maya. Ha expuesto recientemente en Madrid, Miami y París, y fue seleccionada para representar a Guatemala en la 24ª Bienal Paiz 2025. Su obra propone una reflexión profunda sobre la interconexión entre naturaleza, tecnología y memoria ancestral.

José Andrés Aguilar (México)
Escultor especializado en cerámica de alta temperatura. Su obra surge del diálogo entre pensamiento científico y tradición ancestral, explorando los límites técnicos y simbólicos de la materia. Su trabajo se distingue por su rigor conceptual y una fuerte carga filosófica y estética.

Ali Álvarez (República Dominicana)
Artista visual cuya obra investiga la identidad y el territorio de la isla Quisqueya considerando la globalidad de la isla, volviendo a las raíces y lo ancestral, antes que fueran dos territorios: Haití y República Dominicana.

Un evento con impacto cultural y social
Rendez-vous Gala genera impacto positivo en la carrera de los artistas en escenarios internacionales. Bajo el lema "arte · comunidad · impacto", el encuentro es muy especial para los talentos latinoamericanos, voces de su propia cultura, y crea un ecosistema cultural solido. Las obras en Rendez-vous Gala son huellas de la época que se vive.

La nueva iniciativa del Pensador Disruptivo que abre el debate sobre la necesidad de reinventar el modelo del sector artístico en México

Wed, 28 Jan 2026 10:31:44 +0100

Una nueva iniciativa editorial y de diálogo sectorial ha puesto sobre la mesa la necesidad de repensar el modelo bajo el que opera el sector artístico en México. La propuesta, que se desarrollará a lo largo de varias semanas, se articula a través de una serie de artículos y espacios de reflexión orientados a analizar por qué el arte, pese a su talento y capacidad de impacto, encuentra dificultades para crecer de forma sostenida.

El planteamiento parte de una constatación compartida por diversos agentes del sector: el ecosistema artístico ha demostrado una gran capacidad de resistencia frente a crisis económicas, presupuestos inestables y cambios institucionales. Sin embargo, continúa operando bajo estructuras que no favorecen su escalabilidad, su vinculación con otros ámbitos productivos ni su inserción en dinámicas contemporáneas de consumo cultural.

Según el enfoque de esta iniciativa, el principal desafío no reside en la falta de talento ni de audiencias, sino en la persistencia de modelos que dificultan la transformación de los proyectos artísticos en propuestas sostenibles, visibles y con proyección a largo plazo. En muchos casos, la producción cultural se mueve entre la precariedad estructural y la dependencia de esquemas institucionales poco flexibles, dejando sin recorrido a iniciativas con alto potencial creativo.

El análisis también pone el foco en la escasa interacción entre el sector artístico y el ámbito empresarial. Mientras que marcas y organizaciones buscan cada vez más propuestas con identidad, narrativa y conexión emocional, el diálogo con el arte sigue siendo limitado y, en ocasiones, tardío. Esta distancia impide aprovechar oportunidades de colaboración que podrían generar valor para ambas partes.

En este contexto, la iniciativa propone abordar la producción artística desde una perspectiva distinta, entendiendo el arte no solo como un evento puntual o un elemento simbólico, sino como una experiencia diseñada con intención, relato y visión estratégica. Algunos proyectos ya están explorando este enfoque, desarrollando propuestas que conectan con audiencias, territorios y organizaciones de manera más transversal y contemporánea.

Aunque estas experiencias aún no son mayoritarias, su existencia apunta a un cambio de paradigma posible. El debate abierto sugiere que las limitaciones actuales del sector no responden a una falta de creatividad, sino a la inercia de modelos que requieren ser revisados.

Convocatoria
En el marco de esta iniciativa, se invita a profesionales del arte, la cultura, la comunicación, la empresa y la academia a compartir su visión sobre los retos del sector y los aspectos que consideran prioritarios para su transformación.

Las aportaciones pueden publicarse en redes sociales y medios digitales utilizando el hashtag #RepensandoelArte, indicando la participación para su posterior difusión coordinada.

Las reflexiones recogidas formarán parte de un proceso orientado a fortalecer la vinculación entre sociedad, empresa, gobierno y arte, a través de nuevas experiencias culturales actualmente en desarrollo.

El CEART presenta últimas semanas de "Cachorros de Tigre"

Thu, 04 Dec 2025 08:03:37 +0100

El Centro Estatal de las Artes (CEART) Tecate, en colaboración con la Colección Ponce Kurczyn (CPK), presenta la exposición Cachorros de Tigre. Un universo posible de dibujo en México, una muestra organizada por la CPK que reúne más de 130 obras de 101 artistas, en un diálogo sobre la potencia del dibujo como disciplina autónoma dentro de las artes visuales.

La propuesta parte de una premisa central: el dibujo no es un medio subordinado a la pintura o la escultura, sino un lenguaje fundacional del arte, capaz de transmitir tanto ideas como emociones.

Bajo la curaduría del artista Héctor Vargas-Salazar, Cachorros de Tigre ofrece un recorrido que enlaza distintas generaciones de creadores. En ella conviven figuras históricas como José María Velasco, Gerardo Murillo "Dr. Atl", Leonora Carrington y Juan Soriano; referentes clave del siglo XX como Francisco Toledo, Mathias Goeritz y Alberto Gironella; así como voces contemporáneas como Estrella Carmona, Carlos Amorales, Liliana Ramales, Mónica Dower, Virginia Colwell y Guillermo Santamarina.

Cachorros de Tigre se presenta en el CEART Tecate, una institución clave en la formación y difusión de las artes en Baja California. Esta exposición es posible gracias a la colaboración con la Colección Ponce Kurczyn (CPK), una alianza que responde a un interés común: dar visibilidad a expresiones artísticas que han sido fundamentales en la historia del arte y que continúan evolucionando en la actualidad, afirma Luis Ponce Kurczyn, director de la CPK.

El título de la exposición alude a los "cachorros de tigre" que, como los jóvenes artistas, exploran y juegan antes de madurar y aprender de los tigres, en la jungla del arte. En palabras del curador, "el dibujo es origen, desarrollo y culminación de las artes visuales. Su campo de experimentación da lugar a múltiples formas de creación que van más allá del papel y el lápiz".

Se propone como una revisión del dibujo en México a lo largo de los últimos 125 años, articulando un universo posible en el que diversas generaciones se entrelazan y se reconocen como parte de una misma tradición artística. Cada obra expuesta revela cómo esta disciplina ha sido un terreno fértil para la experimentación, desde los trazos gestuales hasta las propuestas conceptuales y contemporáneas.

Con esta itinerancia, la CPK reafirma su misión de preservar, difundir y promover el arte mexicano en distintas regiones del país, acercando al público experiencias significativas y fortaleciendo el vínculo entre el patrimonio cultural y la vida cotidiana.

La muestra brinda a la comunidad de Tecate la oportunidad de apreciar un diálogo inédito: un recorrido por la historia del arte mexicano a través de su forma más elemental, la línea. Se trata de un ejercicio que visibiliza tanto a los grandes referentes como a las nuevas generaciones, demostrando que el dibujo continúa siendo un espacio de libertad, riesgo y creatividad.

Esta exposición podrá apreciarse del 10 de octubre al 13 de diciembre, en un horario de lunes a viernes de 9 a 19 horas, y sábado de 9 a 14 horas en el recinto, con entrada libre.

Presskit.

Arte Capital redefine el mercado del arte y demuestra que la cultura también genera economía

Tue, 18 Nov 2025 10:00:48 +0100

Tras la aprobación del ejercicio fiscal 2025 —que contempla una disminución del 30.8% en el presupuesto federal destinado a cultura, el recorte más drástico desde la creación de la Secretaría de Cultura en 2016— el arte contemporáneo recupera un lugar prioritario en la conversación pública. En un contexto marcado por la incertidumbre y la necesidad de reforzar espacios independientes, la tercera edición de la Feria Internacional Arte Capital surge como un contrapeso creativo que reivindica el poder transformador del arte y su capacidad para sostener comunidad y pensamiento crítico. El encuentro se celebrará del 13 al 16 de noviembre en el Centro Internacional de Exposiciones y Convenciones del World Trade Center de la Ciudad de México.

Durante cuatro días, el recinto se transformará en un ecosistema dinámico donde convergen más de 60 artistas nacionales e internacionales, coleccionistas, curadores, críticos, gestores y público general. Fiel a su vocación multidisciplinaria, la feria integrará exposición, instalación, performance, coleccionismo, conferencias y experiencias inmersivas concebidas para expandir las formas de relacionarnos con la creación contemporánea.

Entre las novedades de esta edición destaca el lanzamiento del Pabellón de Fotografía, un espacio que reconoce la fuerza de la imagen como instrumento documental, estético y crítico. Este pabellón presenta obras que exploran identidad, territorio, memoria y transformación social, consolidando la apuesta de Arte Capital por diversificar las narrativas visuales y abrir nuevas rutas interpretativas.

"El arte tiene la capacidad de sanar, inspirar y generar comunidad. En un momento en el que enfrentamos desafíos estructurales, como la reducción del 30.8% del presupuesto cultural, Arte Capital responde con innovación, autosustentabilidad y una conexión directa con el público", señaló Christian Borbolla, director y fundador. Destacó que la feria se sostiene mediante alianzas estratégicas con el sector privado y modelos emergentes de economía creativa que robustecen el ecosistema artístico.

La inauguración estuvo acompañada por un momento de profundo simbolismo: la presentación de Sinergia sobre tela (Apolo), obra del artista hiperrealista Leo Saez inspirada en el conferencista internacional Ruy Machalele. Con dimensiones de 140 x 100 cm y realizada en técnica mixta, la pieza transmite esperanza y contemplación a través de tonos cálidos y una luminosidad ascendente que evoca espiritualidad. Machalele compartió reflexiones sobre propósito y conciencia, intensificando la carga emocional de la obra.

La feria reúne a artistas como Ana Claudia Talancón, Mauricio Castillo, Sal Moreno, Gerardo Pontiér y Evann Ramírez, creadores que transitan con naturalidad entre disciplinas. "Participar en esta edición lena de emoción. Arte Capital es un espacio donde la creatividad se comparte con personas que realmente valoran el arte", expresó Talancón.

El programa incluye un performance de Santiago Cumplido, un concierto de Sal Moreno, una experiencia VIP de coleccionismo con Carlos Abascal y una Masterclass de creatividad impartida por Castillo. "Para coleccionistas y amantes del arte se han creado espacios íntimos que permitan un encuentro directo con los artistas", añadió Borbolla.

Arte Capital reafirma su papel como plataforma independiente que articula cultura, economía creativa y comunidad, demostrando que el arte también impulsa desarrollo sostenible.

#ARTZEsNuestro: una invitación a vivir lo extraordinario

Tue, 23 Sep 2025 09:32:15 +0200

Bajo el lema "ARTZesnuestro", la campaña propone una experiencia visual que transforma lo habitual en algo inesperado, con un enfoque narrativo que celebra las emociones y los vínculos que surgen en este espacio único. Escenas cargadas de humor, juego, amor y arte toman vida en una serie de piezas realizadas en colaboración con Carla Cervantes y Mónica Figueras, artistas reconocidas por su capacidad de fusionar la danza con el arte escénico y lo onírico.

Cada imagen de esta campaña invita a descubrir una nueva forma de habitar ARTZ: un paseo entre esculturas convertido en ritual, una pausa en una fuente que se vuelve coreografía, una caminata en la que lo urbano y lo lúdico se encuentran. Todo ocurre aquí, donde lo extraordinario está al alcance de cada paso.

Más que un centro comercial, ARTZ es un punto de encuentro para quienes buscan inspiración. Con una oferta que va de marcas de lujo internacionales a experiencias gastronómicas, de eventos culturales a espacios de bienestar, se ha consolidado como un destino donde las tendencias, la creatividad y la comunidad convergen.

La nueva campaña no solo reafirma la esencia de ARTZ como un lugar que rompe moldes y conecta generaciones, sino que extiende una invitación abierta: apropiártelo, vívelo, hazlo tuyo.

Porque en ARTZ, cada historia merece ser contada de forma extraordinaria.

Acerca de ARTZ
Ubicado en una de las zonas más exclusivas de la Ciudad de México, ARTZ es un concepto innovador que integra arte, cultura, moda, gastronomía y entretenimiento en un solo lugar. Con una arquitectura vanguardista y una selección de marcas y experiencias de primer nivel, ARTZ redefine la manera en que se vive la ciudad.

Se apertura la Galería de Arte Capital con exposición colectiva de los artistas más innovadores de México

Mon, 08 Sep 2025 09:17:09 +0200

Arte Capital, reconocida plataforma dedicada a la promoción del arte contemporáneo mexicano, da un paso trascendental en su historia con la apertura de su galería permanente en el emblemático Foro La Paz, en San Ángel. La inauguración se celebra con la exposición colectiva Los Mundos Propios, una muestra que convoca a quince artistas de distintas trayectorias y generaciones, cuyo trabajo se distingue por su carácter innovador y su capacidad de invitar al espectador a sumergirse en universos únicos.

Los creadores participantes son Leonardo Barrientos, Mauricio Castillo, Santiago Cumplido, Francesca Dalla Benetta, Krysia González, Raymundo González, César Jiménez, Iván Madrigal, Emmanuel Meneses, Miguel Mérida, Sal Moreno, Luis Ramos, Rena Renaud, María Santamaría y Didier Tapia. Sus piezas, de corte distópico, utópico y onírico, ofrecen un recorrido que oscila entre lo íntimo y lo colectivo, lo real y lo imaginado, conformando un mosaico de visiones donde convergen múltiples sensibilidades y reflexiones.

Con esta apertura, Arte Capital reafirma su compromiso con la difusión del arte nacional e internacional y con la consolidación del ecosistema cultural de CDMX. Para Christian Borbolla, director de Arte Capital, la nueva galería busca convertirse en un espacio de encuentro y reflexión: "Queremos crear un lugar donde la creatividad dialogue con el público, donde cada pieza cuente su propia historia y cada visitante pueda encontrar resonancia personal. Además, los artistas que formen parte de la tercera edición de la Feria Internacional Arte Capital tendrán la oportunidad de exhibir aquí, garantizando que su visibilidad trascienda más allá del evento anual".

En palabras de Talía Chavira, directora de Foro La Paz, la colaboración marca un hito en la continuidad cultural de San Ángel: "Estamos emocionados de albergar un proyecto que enriquece la oferta artística de la ciudad. La sinergia entre la feria y la galería fortalece a la comunidad creativa, ofrece continuidad a la carrera de los artistas y amplía el acceso cultural para todos los públicos".

La exposición ha sido curada por Helue Nocedal, quien subraya la importancia conceptual de la propuesta: "Los Mundos Propios es una invitación a explorar la pluralidad de realidades que conforman la sociedad. Cada obra abre una ventana a la visión personal de su autor, y juntas componen un panorama complejo y fascinante de lo humano".

La inauguración llega en un momento en que CDMX se ha consolidado como epicentro del arte contemporáneo en América Latina. Solo en 2024, los museos nacionales recibieron más de 51 millones de visitantes, concentrando en la capital más de la mitad de esa cifra. Este crecimiento pone de manifiesto la necesidad de contar con recintos permanentes que, además de exhibir, promuevan el diálogo, la educación artística y la crítica.

La galería de Arte Capital aspira a convertirse en un nodo cultural vivo, donde las obras no se desvanezcan tras un evento, sino que permanezcan para seguir generando preguntas, reconocimiento y conversación. Estará abierta al público de martes a domingo, de 11:00 a 18:00 horas, en Av. de la Paz 57, Piso 1, San Ángel. La entrada será libre.